Saludos, cosmonautas.
La palabra otaku llegó a nuestras tierras en los años 90 y rápidamente fue abrazada por la primera generación de fans del manga y el anime. Casi todo el mundo pensaba que era una palabra muy guay, ¡era japonesa! Ahora sabemos que en esa época y durante muchos años, en Japón no era nada bonito que a alguien le llamaran otaku, ya que se asociaba a gente con auténticos problemas sociales, incluso psicópatas asesinos como Tsutomu Miyazaki, el (mal) llamado “asesino otaku”, y a sectas destructivas como Aum Shinrikyo, responsable de los ataques con gas sarín en el metro de Tokyo en 1995.
El término otaku apareció por primera vez como etiqueta para los aficionados al manga y al anime en la revista Burikko Magazine en 1983, y lo cierto es que ese primer artículo ya describía a estos fans de forma bastante negativa. Pero un año después, y en otra revista, apareció una nueva propuesta que rápidamente cayó en el olvido, pero que hemos descubierto hace poco: YAPPIE.
¿Y qué significa esto de yappie? Pues nada más y nada menos que “young anime people”. Un término muy neutro y descriptivo aplicable a estas nuevas generaciones de japoneses que a pesar de ser considerados adultos seguían consumiendo manga y anime. Tampoco era extraño si tenemos en cuenta que en los años 70 aparecieron anime como Space Battleship Yamato, Galaxy Express 999 o Mobile Suit Gundam, que ya se dirigían a un público más maduro.
Lo de yappie apareció en la revista The Anime en agosto de 1984 y presentaba una imagen de este aficionado mucho más cool, incluso hipster, de lo que luego llegaría a ser el otaku.
La versión original del manual de estilo Yappie.
Versión traducida al inglés por Matt Alt.
Es muy habitual en revistas de moda japonesas que aparezcan manuales de este tipo, que te enseñan paso a paso como convertirte en una de las próximas tribus urbanas de moda. En estas revistas te dicen como vestir, como comportarte, qué marcas de ropa comprar, etc. Y seguramente este “manual de yappie” era algo parecido (¿pero era en serio o una parodia?). La imagen que presentaba del yappie era mucho más limpia, “sana” y sofisticada del típico y tópico otaku más cercano al hikkikomori que otra cosa. Es más, este aficionado podía ser indistintamente hombre o mujer, ¡incluso ser pareja! ¡Relaciones sociales! ¡No, todavía mejor! ¡Relaciones románticas con personas del sexo opuesto! ¡Reales, no en 2D!
La revista describe a los yappie como estudiantes que van desde secundaria hasta la universidad, de clase media, de escuela pública o privada, y suponen un 10-20% del alumnado. Llevan su afición con discreción, no les gusta llevar ropa muy llamativa, y solo se distinguen del resto de estudiantes porque llevan pequeños accesorios de anime de forma sutil. Pueden ser estudiantes de primera o normales, pero no son “ratas de biblioteca” ni delincuentes, es decir, están en un punto medio y se alejan también de esa imagen de empollones y frikis que se saltan las clases de educación física para leer. Por cierto, no se definen ellos mismos como yappie (algo habitual en cualquier tribu urbana o colectivo de este estilo, cuando a los otaku se les llamó otaku, no les gustaba para nada el término).
Los yappies son fans activos del anime, ya que es importante inspirarse a uno mismo y a los demás.
Como toda buena guía nipona de estilo personal, hay una parte dedicada a las relaciones románticas. Como decía, algo que uno difícilmente esperaría encontrar, o en cualquier caso, consideraría tan normal de encontrar en una guía para ser un buen otaku. La guía empieza diciendo que “la mayor agonía para un fan del anime es ser percibido como alguien sombrío que no tiene oportunidad alguna con el sexo opuesto por su obsesión con el anime”. Así que aconseja a los yappie que sean tanto amantes del anime como unos estudiantes saludables, y que utilicen su afición para acercarse al sexo opuesto (todo lo contrario de lo que solía ocurrir, vamos). Y ojo, que se refiere siempre a fans de ambos sexos, no solo a hombres.
Según la guía, lo mejor es que los yappie se junten con otros yappie, y su interés por el anime es lo que hará que estrechen sus lazos. Lo presenta de una manera que podríamos definir incluso como “práctica”. Es decir, tener una pareja yappie hará que puedas mejorar en tu afán de recopilar más información sobre tu afición, y podrás compartir puntos de vista con tu pareja. En este sentido, el manual considera que las parejas yappie tiene ventaja sobre los yappie solteros (más allá de la evidencia de que unos tienen amor – y sexo – y los demás quizás no tanto… o más solitario). La pareja yappie es también una ventaja para aquellos aficionados que no suelen establecer lazos muy estrechos con otros fans (¿por una cuestión de competitividad?), y asegura que el novio o novia será un buen confidente.
Propone que las relaciones entre yappie deberían empezar con citas en eventos dedicados al anime o proyecciones, para pasar luego a un nivel normal de “cita” yendo a la montaña o a la playa (¿vendrán de aquí los típicos episodios de playa y onsen en los anime?). A partir de ahí, no solo irán a eventos de anime , sino que también saldrán a tomar algo juntos para poder compartir su afición. Por cierto, lanza un consejo al yappie masculino para que vaya con cuidado si es aficionado al lolicon… ¡esto es algo que no deberías compartir con tu pareja! (Hilarante.)
El manual del yappie también incluye una parte que describe el equipamiento necesario para ello, con una imagen de la típica habitación yappie que al parecer también utilizó Toshio Okada (el OTAKING) en su libro sobre los otaku.
Por supuesto sugiere que debería tener una televisión que se pueda conectar a distintos tipos de aparatos electrónicos. Un reproductor y grabador de vídeo superior al estándar, con mando a distancia (y que sugiere que se pague con el dinero de un trabajo a tiempo parcial). Además, habla de tener tanto VHS como Betamax para poder hacer doblajes con más libertad (¿?¿?). Aunque reconoce que lo importante para el yappie es el audiovisual, sugiere tener también un equipo de sonido (no necesariamente muy bueno), pero que pueda reproducir varias cintas de cassette en bucle, ya que de ahí saldrá la música de fondo de tu “vida anime”. Siguiendo con lo del doblaje, también sugiere aparatos que te permitan poder hacerlos, así como un ordenador portátil (y estamos hablando de 1984).
En un manual como este no podía faltar una parte en plan “Un día en la vida de un yappie“, y aquí lo tenemos, con unas ilustraciones que demuestran que la imagen que se quería dar con este estereotipo quería alejarse muchísimo de la del otaku grimoso que acabó haciendo fortuna en el imaginario japonés. A continuación pasamos la traducción de las partes que publicó Matt ALT en su blog (con algunas notas mías en cursiva):
Para aquellos que buscan algo con más ritmo pueden escoger el opening de Captain Tsubasa, ¿pero “El baile de Arale-chan”? Nunca.
Aquí tenéis el baile de Arale-chan… ¿por qué no les gustaba a los yappie?
9:00 PM: Después de terminar de estudiar y hacer los deberes, prepara la agenda semanal con la programación de televisión para decidir qué programas grabar. ¡Ahora tienes tiempo libre! Escucha un disco, lee una “novela ligera” o novelización de un anime, prepárate para un evento anime del fin de semana o trabaja en los cel de tu propio anime. Vete a dormir antes de medianoche… ¡Porque un yappie es un gran soñador!
¡Qué ocupado está siempre el yappie! ¡Y no es fácil, porque no debe olvidarse nunca de comportarse como una persona NORMAL! Y es que con este día a día nos queda claro algo, y es que los autores de este manual querían alejarse lo máximo posible del estereotipo de otaku perdedor que se había empezado a crear un año antes con el artículo de la revista Manga Burikko. Aunque está claro que esta etiqueta y este modelo de comportamiento no caló en absoluto. El otaku fue durante los siguientes 20 años un paria de la sociedad nipona, alguien que llevaba su afición principalmente en privado o con unos pocos amigos, y que si no la escondía, automáticamente se convertía en un marginado.
Quizás el yappie era una propuesta que también daba cierta grima, ya que dibujaba unos personajes demasiado perfectos para ser reales. Una versión absolutamente pija y repelente del otaku. También da bastante miedo toda la parte de las relaciones amorosas, en las cuales parece que el único motivo para tener pareja sea para compartir tu afición por el anime y sacar un provecho de ello (esa obsesión por “recopilar información”). Pero a nivel de interacción social, está claro que los otaku podrían haber tomado nota y aplicarse el cuento, ya que no le habría ido nada mal al colectivo socializarse un poco más. Aunque quizás estamos pidiendo algo que, en cierto modo, es inherente (o lo fue en su momento) del colectivo otaku.
Quizás el yappie desapareció nada más fue creado, y a día de hoy algunos utilizan el mismo término para definir a los “Young Asian Professionals” (así que cuidado al utilizarlo). Pero el otaku ha evolucionado mucho con el tiempo, y las versiones no japonesas han seguido también su propio camino. Así pues, cabe preguntarse si el término “yappie” podría hacer fortuna hoy en día, ¿es quizás un estereotipo más plausible en el siglo XXI?
Saludos, cosmonautas.
Desde hace ya unas décadas, Doraemon se ha convertido en una presencia constante en la programación infantil de varias cadenas, y es todo un referente para varias generaciones. La serie se ha emitido en una especie de bucle infinito, y esa emisión cíclica se puede aplicar también a toda una ristra de artículos de críticos televisivos, columnistas y (ahora también) tuiteros, que van pregonando que Doraemon es una aberración moral, y que hasta ahora no nos habíamos dado cuenta (¡gracias por iluminarnos!).
La mayoría de estos artículos están plagados de una miopía cultural considerable. No se tiene en cuenta el contexto, e incluso parece que sus autores tienen ciertas dificultades para comprender realmente la moraleja de muchos episodios de Doraemon (si es que la hay). Pero me puedo imaginar fácilmente a un crítico aburrido, con poca inspiración, haciendo zapping, y encontrándose con un episodio de Doraemon (claro, los echan a todas horas), y así se le enciende la bombilla y ya ha encontrado tema, no hace falta pensar más (y esto último se sigue aplicando a la hora de redactar el artículo). Esto se puede aplicar también a tuiteros y otra serie de voces críticas que saltan al carro del linchamiento de referentes clásicos de la animación infantil.
La crítica más manida es la de Nobita como personaje vago e inútil (que lo es), y que todo lo soluciona pidiéndole a Doraemon uno de sus inventos. En definitiva, que Nobita es un mal ejemplo, porque no fomenta valores positivos, sino que utiliza argucias para salirse con la suya. Lo que suelen olvidar la mayoría de estos críticos es que los inventos de Doraemon, al final, terminan creando más problemas que soluciones, y Nobita suele salir perdiendo (o al menos no obtiene la victoria que esperaba). En definitiva, lo que parece que son incapaces de ver es que casi siempre hay una moraleja, la misma: las cosas hay que conseguirlas a base de esfuerzo.
Y es que la idea del esfuerzo como camino para llegar al éxito es una idea muy arraigada entre los japoneses. En comparación, nosotros somos mucho más deterministas, y solemos considerar que hay muchos factores (que no controlamos) que afectan nuestro destino (suerte, clase social, etc.). Pero cuando los críticos hablan de Doraemon parece que no tienen en cuenta las enormes diferencias culturales que nos separan de los japoneses. No solo eso, también se olvidan que el personaje nació en 1969 en forma de manga, su primer anime (prácticamente desaparecido) se estrenó en 1973, y el segundo y más longevo en 1979 (hasta 2005). Es decir, que la historia y los personajes (que se han mantenido prácticamente inmutables) se crearon hace más de 40 años. Olvidar esto, y dejar de vuelta y media los valores que (según su opinión) transmite la serie, es simplemente una muestra del clásico etnocentrismo occidental.
Otra de las críticas habituales se suele centrar en los padres de Nobita, como ejemplo de machismo recalcitrante. Y sí, eso es totalmente cierto: la madre de Nobita es ama de casa y no hace más que limpiar, y encima parece una amargada que siempre está gritando y quejándose. Además, el padre, el que trae el dinero, casi siempre aparece borracho y no hace absolutamente nada en casa. En definitiva, estereotipos machistas. Pero, ¿acaso no son fieles retratos de lo que pasaba en la sociedad japonesa de la época? Es más, en el Japón actual, siguen siendo dos modelos bastante aceptados como “normales” (sí, Japón es un país muy machista todavía, puede que más que España). ¿Y acaso no encontraremos decenas de ejemplos contemporáneos de Doraemon en tebeos españoles donde se muestran exactamente las mismas cosas? Insisto, es un reflejo de la sociedad y la época de donde proviene la obra. ¿Significa esto que se están defendiendo esos valores? Pues esto sería mejor preguntárselo a los autores, pero describir una realidad no implica que se esté defendiendo o ensalzando. Y esto es algo que podemos aplicar al resto de personajes, empezando por Nobita, Doraemon, Gigante o Suneo. Cierto es que ninguno de ellos es un modelo a seguir, ¿pero por qué deberían serlo? Tanto que nos gusta la figura del anithéroe, y somos incapaces de concebir que en una serie infantil también se presenten personajes así. No, amigos críticos, Nobita no es un ejemplo a seguir para los niños japoneses, y ellos lo saben bien. Y quiero pensar que los niños que han visto a Doraemon en TV3 o en Boing tampoco aspiran a ser unos Nobita en el futuro (bueno, quizás alguno que quiera ser presidente del Barça).
Por cierto, parece que nadie menciona nunca a otro personaje de Doraemon, su hermana Dorami, que se muestra como un robot “mujer” mucho más avanzado, es la primera de la clase e incluso más fuerte que su hermano varón. No solo eso, sabe manejar mucho mejor los inventos, y sería capaz de hacer el trabajo de Doraemon mucho mejor. Y es que lo que también olvidan algunos (a pesar de sus indagaciones sobre los escandalosos orígenes de la trama), es que Doraemon es un robot defectuoso, y por lo tanto, es normal que la cague a menudo cuando le ofrece un invento a Nobita. Y otra cosa que a muchos les pasa por alto es que la serie, en el fondo, sigue la estela de muchos mangas y anime que durante la década de los 50 y los 60 se dedicaban a ensalzar la tecnología y la ciencia (principales motores económicos del Japón de la posguerra), y en muchos casos, perseguían fomentar la vocación científica entre los espectadores. Pero en el fondo, es puro entretenimiento, y no persigue más que la risa. Porque cuando Doraemon quiere ponerse didáctico o dar ejemplo lo hace, y normalmente en otros contextos (libros de texto, por ejemplo).
El “alcoholismo” del padre es otro tema que aparece de vez en cuando, algo que (¡ah, sorpresa!) veremos en otras series como Shin-chan, donde la figura paterna tiene muchos paralelismos; una vez más, porque surgen de una realidad concreta y contemporánea. Y es un buen ejemplo de lo fácil que es malinterpretar un comportamiento, cuando no tenemos en cuenta el contexto cultural en el que se origina. Lo que aquí tachamos rápidamente de “alcoholismo” (adicción al alcohol), en Japón se vive y se interpreta de forma muy distinta. Es muy habitual que los oficinistas salgan casi a diario a cenar con sus compañeros de trabajo (no siempre con ganas, pero hay que hacerlo, especialmente si lo manda el jefe), y en estas cenas el alcohol tiene varias funciones: por un lado, romper el hielo, ya que las relaciones sociales en Japón suelen estar muy encorsetadas y regidas por un protocolo bastante estricto. Pero además, el alcohol, en el contexto empresarial también sirve para que los comensales puedan hablar sobre temas que en la oficina no se pueden abordar de una forma sincera y directa (tampoco nos pondremos ahora a definir todo el tema honne/tatemae, buscadlo). En definitiva, no es tanto una cuestión de alcoholismo, sino que podríamos decir que forma parte de su trabajo. Por lo tanto, esa imagen que aquí se puede interpretar como la de un padre alcohólico, en Japón se ve como algo normal, no necesariamente bueno (por supuesto que esto va a molestar a la parienta), pero solo hace falta pasearse por una estación de tren/metro de Tokio un día cualquiera a coger el último tren, para ver a un montón de hombres trajeados borrachos por los andenes (y suelen ser los borrachos más educados y menos molestos del mundo).
Por cierto, un artículo criticó duramente un episodio en el que Doraemon se saca del bolsillo un invento que permite que cualquier bebida tenga los mismos efectos del alcohol. Como es de esperar, se escandaliza porque Doraemon está alcoholizando a los niños, pero como ocurre casi siempre, se olvidan de contar todo lo que viene a continuación, sin llegar a intentar comprender qué se está mostrando, por qué, y qué consecuencias tiene. Y precisamente es un episodio que está explicando justamente qué efectos tiene el alcohol en las personas, e incluso, porqué los adultos JAPONESES beben en ciertas circunstancias. Pero claro, es más fácil y más llamativo quedarse con la premisa y no ir más allá.
De hecho, es curioso (y molesto), que este ejercicio de se venga haciendo desde hace décadas con todo lo que viene de fuera, y pocas veces esa misma mirada crítica se aplique a uno mismo (eso tan español de la paja en el ojo ajeno). Quizás sea porque es mucho más fácil demonizar lo que viene de fuera, porque es más difícil de comprender. En cambio, esas mismas críticas sobre machismo o alcoholismo se podrían aplicar a decenas de tebeos españoles publicados durante las mismas fechas en que se creó Doraemon y a lo largo de varias décadas. ¿Por qué no se hace? Quizás porque somos más capaces de contextualizarlo y entenderlo, y en definitiva, disculpar aquellos defectos que responden a una época concreta. Y es que si nos ponemos a revisar, hay centenares de clásicos del cine, la literatura y los cómics que son “malos ejemplos para los niños/sociedad”.
Y volviendo de nuevo a Shin-chan, que ya recibió su buena dosis de críticas en su momento (aunque ahora parece superado). Para aquellos que puedan creer que todo el mundo interpreta las cosas de la misma manera, les explicaremos que lo que escandalizaba aquí de la serie eran todas las bromas sexuales que hacía Shinnosuke. Mientras que en Japón, que también tenía un punto de polémico, lo que más cejas levantaba era que tratase de tú a su madre, o la llamara por el nombre (algo que aquí no le importaba a nadie). Por cierto, Shin-chan se publicaba en una revista para adultos.
Muchos estarán pensando que Doraemon sigue al pie del cañón hoy en día, con nuevas producciones anuales, y que sigue pecando de los mismos defectos de épocas pasadas. Y sí, probablemente el machismo sigue imperando, los roles se mantienen, pero como decía antes, ¡es que Japón apenas ha cambiado en ese sentido! Es un país muy conservador, y a pesar de su facilidad para adaptarse a ciertos cambios, hay cuestiones profundas que pueden parecer casi inmutables. Además, hay algo que muchos nunca tienen en cuenta, y es que la inmensa mayoría de mangas y anime se dirigen siempre a un público japonés, y ni por un momento se plantean qué van a pensar los guardianes de la moral occidental de sus producciones. Y que nadie se confunda, no estoy diciendo que no se pueda/deba criticar según qué actitudes, aunque abogo hasta cierto punto por el relativismo cultural, no veo problema en qué se critiquen cuestiones éticas que claman al cielo. Pero siempre debería hacerse desde una buena comprensión de la realidad de lo que se critica, y esto es algo que no he visto en ninguna de las críticas hacia Doraemon. ¿Qué saben del machismo en Japón? ¿Qué saben de cómo se bebe alcohol o de cómo se vive la sexualidad en dicho país? Visto lo visto, no saben absolutamente nada.
Y los niños tampoco, cierto. Pero parece bastante claro que los niños son bastante más inteligentes que muchos adultos (quizás es una de esas cosas que se van perdiendo con la edad), y son más capaces que algunos de disfrutar de según qué cosas sin tomárselo al pie de la letra. Hay muchos niños que disfrutan de las aventuras de Doraemon y Nobita, sabiendo que Nobita hace las cosas mal, que Doraemon es un vago y Gigante un abusón… quizás el otro problema es que algunos creen que los niños son unos sujetos totalmente pasivos, unas esponjas sin criterio, y al final unos monos que imitan todo lo que ven. Pero es que estos discursos los llevamos padeciendo en distintos ámbitos culturales desde hace décadas, y no parece que la música, los cómics o el anime hayan hecho incrementar la delincuencia o los asesinos en serie como algunos han ido pregonando. Los que creen esto quizás también son los que piensan que la educación de sus hijos depende de lo que ven en televisión. No, amigos, depende de sus padres y de su comunidad, y de muchísimos más factores antes que la televisión. Hay que educar a los niños también en cómo ven la televisión, y así puedes dejar de preocuparte tanto por qué cosas ven (porque eso llegará a un punto que será incontrolable).
Esto me lleva a pensar en las películas de Torrente, para que tengamos un referente que algunos puedan comprender. Me imagino a un crítico de cine de Estados Unidos, o cualquier otro país, poniendo a parir la película porque el protagonista es un tío asqueroso, facha, racista, pervertido y tantas otras lindezas que definen al personaje, en definitiva, un mal ejemplo (¡y una mala influencia para los espectadores, pobres ovejitas!). DUH. Y sí, tendría razón, como tienen razón los que dicen que Nobita es un vago, Suneo un cabrón, etc. Pero insisto, ¿significa eso que se crearan estos personajes para convertirse en modelos de comportamiento? ¡Claro que no! Es más, el manga humorístico está plagado de antihéroes, de protagonistas que son imbéciles rematados (desde Bakabon hasta Senbei Norimaki). De hecho, me preocupan mucho más todos esos adultos que hacen una lectura en positivo del personaje de Torrente y lo consideran una especie de icono del buen español, que todos los niños que ven Doraemon y se ríen con las tonterías de Nobita.
Sinceramente, el problema principal no creo que esté en la serie, sino en la mirada perversa (y demasiado a menudo, ignorante) del crítico.
Doraemon es, desde hace años, Embajador Cultural de Japón. Está claro que estos locos japoneses quieren convertirnos a todos en unos pedófilos, pervertidos, alcohólicos y machistas. Es un plan de propaganda política muy bien trazado, ya lo dicen en China.
Saludos, cosmonautas.
Hace unos meses ya os hablé de la lista de Esenciales que elaboramos la Asociación de Críticos y Divulgadores de Cómic, una lista que al cabo del año termina con 50 títulos elegidos por votación entre los miembros de la misma. Algunos siempre habíamos pensado que sería bueno trasladar esta lista al papel, para que tuviese una mayor difusión en según qué contextos, y cuando la propia asociación se disponía a iniciar el proyecto, nos contactaron de la reputada revista Jot Down con una propuesta que no podíamos rechazar: convertir los Esenciales en un anuario publicado por Jot Down, y ampliar la lista de 50 cómics hasta los 100. Y el resultado es esto, “Cómics Esenciales 2016“:
100 cómics publicados en 2016, con sus respectivas reseñas hechas por algunos de los principales críticos y divulgadores del cómic de España, con una extensa entrevista a Ana Galvañ y Paco Roca (que además son los autores de la portada), y varios artículos/ensayos relacionados con la viñeta. Y para el público de la Arcadia, seguro que será de interés uno que firmamos Marc Bernabé y un servidor sobre el fenómeno gafotaku.
Encontraréis todo tipo de cómic en la selección, ya sea europeo, español, norteamericano… y sí, también hay bastante manga, con reseñas firmadas por autores que conocéis de sobras (y otros quizás no tanto, ¡pero que también son lectores de cómic japonés!).
Si os interesa, podéis adquirir el libro a través de este link (por cierto, se puede adquirir en pack junto a otros libros, así que echad un ojo a la tienda de Jot Down).
Saludos, cosmonautas.
No soy Marc Bernabé, pero de vez en cuando también me gusta hablar de algunos de estos mangas que no se han editado en este país, y que realmente me han llamado la atención. Hace un tiempo escribí un post similar sobre Inio Asano, que por entonces solo había publicado un tomo aquí a través de Ponent Mon y era bastante desconocido por estos lares, y las cosas realmente cambiaron al poco tiempo. Pero esta vez, con este autor, tengo bastante claro que no correrá la misma suerte. Y ojalá escriba un post dentro de unos años hablando de lo equivocado que estaba. Pero no pasará. Aunque molaría. Insisto, no pasaría. Aunque quizás si… ¡que no! ¡que no pasará! Vale, tío, tranquilo…
El autor en cuestión es Naoki Yamamoto, y los motivos principales por los que creo que difícilmente se puede llegar a publicar aquí son dos. Primero porque estamos hablando de un autor algo más veterano, que empezó su carrera en los ochenta, y que parece que tuvo algunos de sus mejores momentos en los noventa (aunque con la poca información que hay de él, son conjeturas). Por lo tanto, parece mucho más difícil que alguien apueste por material con varios lustros a las espaldas (aunque nunca se sabe, ¿verdad, Parasyte?). El segundo motivo, quizás más de peso, porque sus obras vienen cargadas de un alto contenido sexual… y no estoy hablando de erotismo, sino de escenas de sexo realmente explícitas y que dominan buena parte de las obras que he podido leer. Aunque muchas de estas escenas tampoco se alejan tanto de lo que hizo Asano en La chica a la orilla del mar, no creo que este tipo de obras sean muy apreciadas por los editores en la actualidad (¡venga, sorprendedme!). Lo que no me “preocupa” tanto es su estilo de dibujo, especialmente por la evolución que ha sufrido. En sus inicios ochenteros puede parecerse a un Adachi más bruto, para acercarse luego a autores como Hisashi Sakaguchi o a Pure (el “otro Masamune Shirow” de los noventa que nadie recuerda), y en los últimos años quizás recuerde a autores más alternativos como Taiyô Matsumoto o a algunas obras de Usamaru Furuya; una evolución escalonada y bastante lógica si se observa de forma cronológica. De hecho, algunas de sus obras más recientes las ha producido sin asistentes, lo cual lleva al autor a simplificar el dibujo. Por cierto, entre los asistentes que tuvo en el pasado, estaba un tal Hiroya Oku (el de Gantz, por supuesto).
Naoki Yamamoto (Hokkaido, 1960)
Hará algo más de 5 o 6 años que pude leer por primera vez algo de Naoki Yamamoto: Arigatô (1994). Empieza de forma muy bestia, unos pandilleros han ocupado una casa, donde están haciendo una sesión de fotos pornográfica con la chica que vive allí con su hermana pequeña y su madre, y acabarán haciendo a la hermana pequeña partícipe de estas sesiones. En medio de todo esto llegará el padre de la familia, que después de cinco años trabajando fuera de casa, con apenas algunas visitas esporádicas, vuelve para encontrarse con semejante panorama. Este salaryman no se anda con chiquitas, y se desatará la violencia en la casa. Dos de los asaltantes se largarán, uno de ellos malherido, pero el tercero y último, que se retuerce de dolor, quedará confinado en la casa como un rehén. Al poco tiempo llegará una banda de moteros de 500 miembros al completo para rescatarle, pero el padre no tiene intención alguna de ceder. Empieza el sitio a la casa, pero también el drama de esta familia disfuncional, con un padre que bordea la locura y que es capaz de preparar un pastel de cumpleaños en medio de todo el percal (teniendo que asaltar la casa de al lado, porque les han cortado la luz). Después de superar esta primera crisis vendrán muchas más, en lo que parece una especie de familia Simpson japonesa… a lo bestia. Chicas que se intentan suicidar, que se escapan de casa, e incluso hacen acto de aparición una de las clásicas sectas japonesas con nombres ridículos. Es una historia cruda, pero al mismo tiempo con sentido del humor, que no deja de ser una reflexión sobre la familia post-estallido de la burbuja económica de los ochenta. ¡Y tiene live-action!
Portada del 4º y último volumen de “Arigatô”. Publicada en la Weekly Big Comic Spirits de 1994 a 1995.
Carátula del VHS de “Arigatô”, película producida por Fuji TV (1996).
A partir de ahí empecé a indagar un poco más en el autor, que se había especializado en historias ecchi, incluso comedias románticas, y una de las primeras paradas obligatorias es un título de 1989, Asatte Dance (que se publicó en inglés como Dance Till Tomorrow, en 1999), probablemente una de las obras más accesibles del autor. Aquí la cuestión sexual no se despliega de forma tan exhuberante, y la historia es algo más convencional que Arigatô o las obras que seguirán: un chico que quiere dejar la universidad para dedicarse al teatro recibe una herencia multimillonaria con una condición, tendrá el dinero cuando haya terminado la universidad, se haya casado y tenga una carrera profesional. Y en medio, una chica que no para de entrometerse en su vida. Sin duda su serie más famosa, y diría que más larga, no solo porque llegase a publicarse en EEUU, sino porque se han hecho dos live actions (En 1991 y en 2006) y una OVA.
Portada del primer tomo de “Dance till Tomorrow” (Asatte Dance), publicada en inglés y en 7 tomos en 1999.
Believers (1999), fue la primera serie semanal que creó sin ayuda alguna de asistentes (adiós, Oku), y donde se empieza a apreciar ese estilo más estilizado del autor. El componente sexual está todavía más subido que en las dos obras citadas anteriormente, pero su historia es más retorcida todavía, e igual de interesante. Dos hombres y una mujer, miembros de una de secta (con un nombre muy parecido a la que aparece en Arigatô), viven juntos en una pequeña isla desierta a modo de prueba/purificación, mientras esperan que su líder les lleve a la tierra prometida.
Portada del primer tomo recopilatorio de “Believers” (de un total de 2), publicado en Big Comic Spirits en 1999.
Empezarán sufriendo algunos problemas para alimentarse, alguna extraña enfermedad, y como era de esperar, empezarán a surgir tensiones sexuales, algo que en principio está prohibido por el credo. Inspirándose en la famosa secta Aum Shinrikyo, los que perpetraron los atentados con gas sarín en el metro de Tokio, un tema realmente candente en Japón y como hemos visto habitual en el autor (también tratado por Inio Asano). Uno de los aspectos más trabajados de este título es precisamente la mentalidad del sectario, su forma de autoconvencimiento (alejados del control directo de su líder), y que viene a mostrar los peligros del lavado de cerebro al que se someten a menudo estos sectarios. La isla donde transcurre la acción se inspira de nuevo en algo real, una isla artificial semi-abandonada de la bahía de Tokio, que el autor pudo pisar poco después de empezar a publicar el manga.
Los tres protagonistas con las camisetas de la secta “Smiley Face Center”.
Más nueva, mucho más extraña, y con ese dibujo cada vez más refinado, es Anjuu no Chi. Y no es que sea uno de los títulos más raros del autor, sino uno de los mangas más surrealistas que he leído hasta ahora. La historia empieza con una chica, vestida de colegiala, que acaba llegando a un pueblo semi-abandonado, para encontrarse con unos extraños personajes que comen piedras y practican sexo anal (para poder cagar las piedras y volver a cocinarlas). Situado en una especie de mundo post-apocalíptico, con una guerra en marcha, algunos aspectos siguen recordando al rollo sectario de “Believers”, y la cuestión sexual está todavía más subida de tono, con una protagonista que está constantemente siendo ¿violada? De los que he podido leer, probablemente este es el que me ha dejado más desconcertado, y todo parece mucho más gratuito.
Portada del primer tomo (de dos) de “Anjuu no chi”, publicada en Ikki entre 2000 y 2001.
Naoki Yamamoto también ha publicado varias obras cortas y podréis encontrar “por ahí”, 197X (dentro del recopilatorio Blue) o Watching TV all the time makes you stupid (bravo por el título). La primera, publicada en 1990, se sitúa en algún momento de la década de los setenta y está protagonizada por dos estudiantes que se encuentran en el cine, y empezaran poco a poco a tener relaciones sexuales. Muchas de las escenas están adornadas con fotogramas de películas, como La naranja mecánica. La segunda historia, algo más reciente (2000), habla sobre el intento de una especie de consejero para hacer salir de su habitación a una hikkikomori. Historia con su dosis de sexo, y final abierto.
Precisamente el recopilatorio de historias cortas, y subiditas de tono Blue, tiene el honor de haberse ganado la designación de “manga no saludable” por el gobierno metropolitano de Tokio. Al parecer, aparece un personaje en el manga que publicará en breve Planeta Cómic, Poison City, que fácilmente podría estar inspirado en él. Ya que habla de esta persecución que han sufrido algunos mangakas. No sabemos si gracias a esto, o por culpa de esto, existe un live-action de las distintas historias que aparecen en Blue, editadas por lo que parece ser una productora de películas X.
Portadas de los DVDs de las adaptaciones de las historias cortas de “Blue”.
Puede que lo surrealista y loco de algunas de sus propuestas, pero sobretodo la parte sexual, echen para atrás a muchos, pero detrás de todo ello está un autor que plantea cosas interesantes, que hace un manga que se sale de los esquemas a los que estamos acostumbrados, que es capaz de incomodar, divertir y excitar al lector a partes iguales. Sus obras son análisis, reflexiones, retratos de distintos aspectos de la sociedad japonesa. Satiriza, parodia, y pone algo de picante a cuestiones que en la mayoría de mangas son puros clichés, idealizaciones que se alejan de la realidad del día a día. Eso tan manido que se ha dicho de Inio Asano, de que es la voz de su generación, creo que podría aplicarse en cierto modo a este autor, precisamente por haber retratado el desencanto, depresión, desesperación y locura que siguió al estallido de la burbuja económica… y que encuentra en el sexo una vía de escapatoria.
¡Mothra! ¡Imposible no querer a un autor que hace portadas como estas!
Tiene una considerable bibliografía, y es un autor que en Japón parece bastante más conocido (también ha llegado a publicar con seudónimos como Tô Moriyama y Mori Tôyama), o no se habrían hecho tantas adaptaciones televisivas de sus obras. Así que es una pena que no nos haya llegado absolutamente nada de él. Creo que su momento fueron los 90, y de hecho su única obra publicada en occidente fue en 1999. Quizás no terminó de cuajar entonces, y veo algo más complicado que lo haga ahora, aunque algunas de sus obras más recientes se pueden comparar (sin tener en cuenta el sexo) a autores que sí se están publicando. ¿El próximo autor “gafotaku“? Soñar es gratis.
Saludos, cosmonautas.
Hace 25 años que empezó a publicarse Dragon Ball aquí. Hace casi 20 que empezó a publicarse manga de forma habitual en su sentido de lectura original. Pero todavía, en 2017, hay mucha gente que cuestiona y se pone realmente combativa cuando se queja de que el manga se publique “del revés”. En realidad es un debate muerto, porque hace muchos años que el mercado del manga funciona de esta manera, y nadie va a cambiarlo a estas alturas. Pero muchos siguen empeñados en sacar a colación el tema de vez en cuando. Es más, algunos aseguran que se vendería más manga si se espejara siempre.
Aquí una imagen del mismísimo SATANÁS: el sentido de lectura oriental.
Ya hice un post hace algunos años en Zona Negativa hablando del tema, y lo cierto es que no cambiaría prácticamente nada de lo que escribí, así que se puede volver a leer. Pero sí me hace gracia que una y otra vez, se esgriman los mismos argumentos y justificaciones en contra de la lectura en sentido oriental (y original) de los mangas. Así que vamos a intentar responder algunos de los comentarios más manidos. Las frases que pondremos a continuación pueden ser reales o no, pero sin duda están basadas en opiniones leídas una y otra vez.
“Se venden más los mangas espejados que los mangas en sentido de lectura original.“
En primer lugar, en este país no sabemos las cifras de ventas de las editoriales de comics, con lo cual todo son conjeturas. “Adolf” de Osamu Tezuka ha tenido varias ediciones, un buen indicio de que realmente tienen buentas ventas, y es uno de esos mangas que se han espejado. ¿Por esto podemos concluir que el manga se vende mejor si es así? No. Simplemente este manga en concreto ha tenido buenas ventas, ¿habrían sido peores de haberse respetado el formato original? No lo podemos saber. Pero en cualquier caso, “Adolf” es uno de esos mangas que probablemente ha encontrado la mayoría de sus lectores fuera del público manga habitual, y esto pasa con muchos otros mangas, como por ejemplo los de Jiro Taniguchi. Hay quien asegura que se venden más los mangas espejados de Taniguchi que lo es que no. OK, ¿dónde están esas cifras? (Y la proporción es menor de lo que muchos creen, a Taniguchi se le publica,y mucho, en sentido oriental.) Pero la idea es la misma, es otro tipo de lector el que compra estos mangas.
“Pero si otros lectores no otakus se acercan a estos mangas, esto significa que se puede llegar a más público, y no solo al nicho de lectores de manga”
¿Acaso el público que compra “Adolf” o Taniguchi es realmente un público mayoritario? Lo dudo mucho. En realidad, es otro nicho de lectores, que además no se suele solapar con el lector de manga habitual. Es decir, que quizás estos mangas se vendan más entre el público no otaku, ¡pero es que el público otaku no los compra! Por lo tanto, no estás abriendo el manga a más público, simplemente a otro tipo de público. La gran mayoría de mangas que se publican, y que nada tienen que ver con Tezuka o Taniguchi, por muy espejados que se publicasen, seguirían sin apelar a ese otro público. Si la editorial toma la decisión de espejar un manga es porque tiene muy claro a qué tipo de público quiere dirigirse, no creo que lo haga para llegar a más público.
“Se publican los mangas en sentido de lectura oriental porque los otakus que presionan a las editoriales para que todo sea lo más japonés posible.”
Es cierto que el lector de manga habitual pide que se respete al máximo la obra original, y eso empieza por el sentido de lectura. Y si bien han sido parte activa y han convencido a muchos que tenía que hacerse así, no fueron los primeros en pedirlo. Cuando se publicó la famosa serie blanca de Dragon Ball, la primera vez que se editaba en occidente, las páginas se espejaron, pero no se editó absolutamente nada. Esos ejemplares llegaron a Japón, y la editorial Shueisha se convirtió en el hazmerreir del sector cuando se dieron cuenta que todas las onomatopeyas estaban del revés. Aquí nadie se daba cuenta de nada, eran garabatos, pero allí era gracioso y hasta ridículo. Esto llegó al mismo Akira Toriyama, y aunque varios números después esto se solucionó con un titántico trabajo de edición, el autor prohibió que se volviesen a publicar sus obras en otra forma que no fuese la original. Así pues, la presión no solo llega del fan, sino que son los propios japoneses los que lo piden así.
“Vale, la gente es zurda en lugar de diestra, ¿y qué? ¿Tan traumático es eso?”
No es solo eso. Espejar un manga implica mucho más. Puede incluso afectar a cuestiones argumentales, como sucede en algunos mangas deportivos, donde ser zurdo o diestro puede tener ciertas implicaciones (boxeo o béisbol, por ejemplo), o que las cosas se dirijan hacia la izquierda o la derecha son importantes. Además, en muchos casos se puede estar perjudicando la narrativa visual original. No solo eso, la cartelería que aparece en los fondos, o logotipos que puedan aparecer en ropas u objetos, todo queda del revés, lo cual es bastante ridículo si se deja tal cual. Así que las editoriales se ven obligadas a editar todas esas partes, borrarlas y redibujarlas. En definitiva, se está manipulando la obra original, insisto, se está redibujando. Es genial ver como muchos no ven un problema cuando esto sucede en el manga, pero si les tocan un color o una viñeta en cualquier otro cómic, es una ofensa.
“Esto de querer leerlo como los japoneses es una pijada, es de snobs, de culturetas y sobrados.”
Al parecer, querer disfrutar de un cómic tal y como lo ha concebido su autor es una frivolidad innecesaria. Y al parecer hay quien considera que respetar la obra original de un autor es también una frivolidad innecesaria… total, es un manga. Akira Toriyama no es el único, hay más autores que piden que su obra se publique tal y como ellos la han concebido y realizado (“¿pero qué se han creído estos japos?”). En algunos casos, porque espejar un dibujo hace que se vean ciertas irregularidades en el dibujo que de otra forma no se aprecian, y en otros, por pura integridad artística. Pero claro, respetar la voluntad del autor son paparruchadas.
“Si lo que quieres es que sea lo más parecido al original, ¿por qué no te lo lees en japonés y ya está?”
Viva la demagogia barata, pero en más de una ocasión, como si esto fuese la “Ley de Godwin”, alguien soltará esta tontería. En primer lugar, comparar el esfuerzo de aprender a leer un cómic de derecha a izquierda con lo que supone aprender suficiente japonés para entender un manga, es una estupidez. Aunque eso no quita que haya miles de lectores de manga que lo estén intentando, y muchos de ellos incluso lo consiguen. Sí, con toda traducción se pierden cosas por el camino, matices, bromas, juegos de palabras, y esto pasará espejando o no espejando, doblando o subtitulando. Por muy fiel que sea una traducción, por mucho que el doblaje pueda meter más texto que un subtítulo, la experiencia nunca será idéntica al del lector/espectador original… ¡pero hagamos lo posible para que se le parezca! Y cuando hablamos de cómic (la discusión cinéfila es muy distinta), cuando el principal vehículo es el dibujo, ¿para qué vas alterarlo si no es realmente necesario?
“¿No es más importante la experiencia del lector que el aspecto original de la obra?”
Bienvenidos a la cultura del “dámelo todo masticado”. ¿Acaso no hay que hacer un esfuerzo para aprender a leer? ¿O aprender un idioma? ¿O aprender a usar un robot de cocina? Pues para leer manga tienes que dedicar un breve tiempo de tu vida a aprender a leer en otro sentido. A día de hoy no hay constancia de que a nadie que lo haya intentado le haya explotado la cabeza y se haya muerto, ni siquiera ha habido un incremento de ingresos psiquiátricos. Sí, la experiencia del lector es importante, y todo traductor te dirá que se esfuerzan todo lo posible para que su trabajo apenas se note… pero entre adaptar una obra y manipularla hay un trecho. Por supuesto cada cual es libre de pensar lo que quiera, y si prefiere cambiar una obra en lugar de hacer un mínimo esfuerzo por entenderla, pues es su opción. Yo noy voy pidiendo a ningún artista que pinte los cuadros de forma que los pueda entender a la perfección, ni a los músicos que escriban letras cuyo significado pueda entender siempre a la primera… ¿por qué le voy a pedir a un dibujante de cómic que cambie lo que ha dibujado para que yo lo pueda entender sin esfuerzo alguno?
Puede que el problema sea la consideración que algunos le dan al medio del cómic… que si encima es manga, todavía es menos importante. Si se considera puro y simple entretenimiento, muchos entienden que no hace falta tener tantos miramientos con “integridades artísticas”. Y no veo problema en consumir cómics por puro y simple entretenimiento, yo lo hago, pero eso no significa que no respete el trabajo original del autor.
“El problema es que no se hace bien lo de espejar, habría que hacerse viñeta a viñeta y minimizar al máximo esos cambios.”
En definitiva, estamos pidiendo que la editorial haga un esfuerzo de edición enorme, lo cual encarece el producto, alarga todavía más el tiempo de producción y por lo tanto tarde más en salir al mercado. Ideal estrategia para los días que corren. Y seguimos en lo mismo, un trabajo enorme, una manipulación del material, simplemente para ahorrar a ciertos lectores un pequeño esfuerzo.
“¡Sois unos puristas exagerados!”
Y esto, a menudo, viene de gente que lee otro tipo de cómic y se indigna si una impresión ha salido con un color ligeramente distinto al original, o una traducción no es lo suficientemente acurada, o el formato que ha escogido el editor no es igual que el europeo o el americano. Incluso pueden ser lectores que en su momento leían los cómics de Vértice, que se dedicaban a editar las páginas pura y simplemente para adaptarlas a su formato de publicación, y cuando se dieron cuenta se escandalizaron. O se escandalizan hoy con los recoloreados digitales de algunas obras con colores que “se adaptan más al gusto del público actual”.
“Llevo años leyendo normal, y me costará mucho aprender a leer de otra forma.”
No todo el mundo aprende igual de rápido, pero es cuestión de intentarlo y no cerrarse en banda. Hay mucha, mucha pereza en todo esto, así de claro. Algunos están demasiado acostumbrados a pedir que las cosas se hagan a su medida, y esto, sinceramente, merma la capacidad de adaptación y aprendizaje (ui, ahora esto sí me ha quedado un poco de sobrado…).
“Cuando leo un manga en sentido de lectura oriental no lo estoy haciendo de forma natural, mi mente concibe las cosas de izquierda a derecha, y seguro que me estoy perdiendo muchas cosas que el autor quería expresar.”
Es bastante habitual en este tipo de debates que aparezcan psicólogos expertos en cuestiones de percepción. Y quizás tardé unos añitos en recoger el título, pero yo sí tengo la licenciatura de Psicología, y os puedo asegurar que el cerebro es bastante más plástico de lo que pensáis, y aprender no es tan difícil, a no ser que estés en la tercera edad (y aún así). ¿La experiencia no será exactamente igual para el cerebro? ¿Te perderás cosas que quería expresar el autor? Algunos buscan justificaciones en proceso perceptivos inconscientes antes que aceptar que quizás se están perdiendo más de la obra original cambiando el dibujo, y no adaptándose ellos al formato original.
“Aunque os cueste tanto admitirlo, en realidad, eso de leer del revés ni siquiera es fácil ni natural para vosotros, ¡estamos programados para leer de una forma y eso es imposible de cambiar!”
Y siguen apareciendo psicólogos y neurólogos para decirnos que lo que algunos hacemos con toda naturalidad es, en realidad, una mentira. Si esto fuese así, los que hace años que leemos mangas, nunca podríamos confundirnos cuando empezamos a leer un cómic occidental (que es “lo normal”), ¡y os aseguro que pasa a menudo! Y no, no leo exclusivamente manga (pero bueno, ¡quizás es que soy un superdotado!).
“¿!Es que nadie piensa en los niños!?”
Originalmente, Antonio Martín, director editorial de Planeta, pensó que publicar manga en su sentido de lectura original podría acarrear perjuicios en los hábitos de lectura de los más pequeños (no parece que piense lo mismo ahora). La realidad es que son precisamente los más pequeños los que más fácilmente se adaptarán a este tipo de cambios. Hace nada, en el tren se dio una extraña escena, delante una niña de no más de 10 u 11 años leyendo el “Dororo” de Tezuka, mientras que su hermana, que no debía superar los 7, estaba leyendo “Love Hina”… ¡del revés! Pobres niños… No son una excepción, conozco muchos más padres con hijos que no le ven problema alguno.
En realidad, Planeta sigue publicando unos pocos mangas dirigidos a niños en sentido de lectura occidental (y porque vienen de lejos, otros como Inazuma Eleven, de público infantil, se leen en sentido oriental). ¿Es para no corromper a los niños? Quizás el principal problema sea que los padres, los que lo van a comprar, no se fiarán de un tebeo que se lee “del revés”. Y ahí sí que se pueden perder ventas…
“Pero qué burbuja cultural ni esencias ni pollas en vinagre. Simplemente que no nos gusta leer al revés y punto. No tengo por qué querer acostumbrarme. ¿Que a lo mejor me pierdo alguna especia de esencia mistica cultural? Pues a lo mejor. También a lo mejor me pierdo alguna esencia cultural al leer a Dostoviesky en castellano, pero sabéis qué? A estas alturas de mi vida no me voy a poner a estudiar ruso para poder leer a gusto Los Hermans Karamazov. Pues lo mismo con el manga. Ah, pero espera, que a lo muchos de los talibanes de “la pureza” y “la burbuja cultural” si que lo hacen. Felicidades tíos, tenéis mucho tiempo libre.”
Este sí es un comentario real y literal. Y un ejemplo más de esa pereza que creo es, al fin y al cabo, el único motivo por el cual se cuestiona tanto el sentido de lectura oriental en los mangas. Sí, tantas explicaciones, divagaciones, justificaciones, razones, y tonterías, finalmente, porque algunos consideran que dedicar unos minutos a acostumbrarse a leer del revés es algo terrorífico, que requiere años y años de aprendizaje, imposible neurológicamente, una pijada, una tontería, os lo traduzco: ME DA PALO. Los mismos que quizás consideran que no hace falta aprender idiomas, que es muy complicado, y total para qué. Y esto no están tan lejos de los que piensan que, ¿para qué me voy a poner a leer? ¡Qué pereza! Cuando veo mucha letra junta me agobio. Vamos, que en definitiva, toda la culpa la tiene Franco.
Saludos, cosmonautas.
La paternidad no me deja tiempo para muchas de las cosas que hacía antes, pero sí puedo pasar muchas más horas delante de la tele que antes (con lo cual veo más anime y leo menos manga… *sigh*). Y como Netflix lo carga el diablo, hace unos días me recomendó que viese un programa llamado “Terrace House: boys & girls in the city”. La sorpresa era doble, en primer lugar porque era un reality show con producción de Netflix, que en el terreno de la no ficción nos tiene acostumbrados a otras cosas, y eso de por sí ya generaba cierta curiosidad. Pero además, se trataba de un programa japonés… Take all my money!
Antes que nada, tengo que aclarar que no soy nada aficionado a los reality, y mucho menos a los del estilo Gran Hermano. Cierto es que vi las dos primeras ediciones, que sin duda fueron toda una revolución televisiva y tenían parte de ese interés sociológico por ver como se comportarían esas personas bajo constante vigilancia y aislados del mundo (aún mantenía la idea del Gran Hermano de Orwell). Pero con el tiempo se convirtió mucho más en un concurso-culebrón protagonizado por personajes esperpénticos con estrategias y conflictos prefabricados para dar espectáculo, provocar polémicas, etc. De hecho, esto último se puede aplicar a muchos de los programas que hoy día llenan la parrilla, y más allá del puro entretenimiento, por lo general me aburre ver una y otra vez las mismas historias de personas que no me interesan lo más mínimo. Si bien se puede tener un interés antropológico por Gandia Shore o Jersey Shore, con tres o cuatro capítulos es suficiente para confirmar que sí, que existen personajes así en el mundo (aunque a veces solo hace falta ir al “carrefú” para verlo).
Los seis habitantes de la casa iniciales.
“Terrace House” se presenta cada capítulo con esta explicación: “Buenas noches. En Terrace House seis desconocidos, hombres y mujeres viven juntos y vemos como se relacionan. Nosotros solo hemos preparado una casa y un coche. No hay guion.” Si bien nuestro referente televisivo más inmediato es el programa anteriormente presentado por Mercedes Milà, el formato es mucho más parecido a “The Real World”, una producción de la MTV que empezó en 1992 y se mantiene hoy en día, y que seguía la vida de una serie de jóvenes que compartían piso. La gran diferencia con el programa de Telecinco es que los participantes de Terrace House (y The Real World) siguen haciendo su vida normal, es decir, salen a trabajar, a estudiar, quedan con otras personas aparte de los habitantes de la casa… en definitiva, es una situación más realista, donde la cuestión de la renuncia a la intimidad no es tan importante (no hace falta poner cámaras en todas partes ni en todo momento). Además, no hay nominaciones ni pruebas, el programa tiene una duración establecida (aunque se ha prorrogado varias veces) y los participantes se pueden marchar cuando quieran (siendo sustituidos al cabo de unas horas o días). No es un concurso, no hay ganadores, simplemente se trata de tener una experiencia, y en algunos casos encontrar pareja o ganar cierta popularidad para su carrera. La idea es que todo sea lo más natural posible, y la sensación es que es así. La excepción a todo esto, que incluso podríamos definir como metatelevisivo, es que en Japón se puede ver un episodio nuevo cada semana mientras se sigue rodando, de forma que los participantes se pueden ver a si mismos o qué han dicho/hecho sus compañeros (aunque sea varias semanas después). De todos modos, no parece que tenga demasiado efecto en sus dinámicas, precisamente porque ya ha pasado cierto tiempo.
Pero hay algo que también lo diferencia y que lo puede hacer más atractivo para aquellos que, como yo, el formato reality no nos entusiasma. La factura técnica está a años luz. La iluminación, la fotografía y la dirección no tienen nada que ver, y a pesar del realismo que supura por todas partes, el montaje a veces lo acerca a una serie de televisión, haciendo un buen uso de los cliffhangers a mitad de capítulo o al final. Para amenizar todo esto existe la figura de los comentaristas, también tres mujeres y tres hombres (o dos hombres y un niño, mejor dicho), que son los encargados de resumir el episodio anterior, comentar a mitad de capítulo, y poco antes del desenlace del mismo.No existen ni confesionarios ni los testimonios de los propios participantes, algo muy habitual de los realities de hoy en día, con lo cual no tienes esa sensación de que se pasan el día analizándose a sí mismos, para eso ya está ese panel de “celebrities”. Y la verdad es que hay un abismo entre los comentaristas de Terrace House y las jaulas de grillos que son los programas que comentan Gran Hermano y similares. Mientras que aquí la chabacanería, el insulto y el escándalo son la norma (y lo que le gusta a la gente), los japoneses se dedican sobretodo al análisis con un tono humorístico, a veces muy inteligente (no sé si algunos comentaristas de Telecinco serían capaces de formular/entender metáforas), y aunque existe cierta dosis de sarcasmo (no diría crueldad), el tono es muy amigable y simpático. De hecho, parece que incluso ponen risas enlatadas en según qué momento. No se buscan los trapos sucios, no se hurga en el pasado, y no se traen a los típicos familiares/amigos/enemigos para que nos cuenten su vida. En ese sentido, a años luz, y los comentaristas de Terrace House te ayudan incluso a entender ciertas cosas que fácilmente te pueden pasar por alto.
Como decía antes, no tengo demasiado interés en ver este tipo de realities, pero el factor japonés le añade un atractivo especial para alguien que se ha dedicado a estudiar la cultura japonesa. Pero de lo que me he dado cuenta rápidamente, es que no hace falta cursar Estudios de Asia Oriental para sentir cierta fascinación por la forma en que se comportan los participantes de Terrace House. De hecho, a los que estén más acostumbrados a ver este tipo de programas, seguro que les chocará la tranquilidad, contención y respeto mutuo con el que se relacionan estos participantes. Si lo que uno quiere ver son grandes dramas, gritos y gente que casi llega a los puños, tendrá que buscar por otro lado. Pero ojo, esto no significa que no haya lágrimas y marrones varios, que a pesar de que algunos les cuesta creer, los japoneses son humanos, con emociones y esas cosas, lo que pasa es que las expresan de forma distinta (y si no hubiese chicha alguna, el programa no tendría interés a los tres o cuatro episodios). Conocer la forma de comunicar de los japoneses puede ser una ventaja a la hora de ver el programa, y hace más fácil entender según qué comportamientos, incluso el subtexto que puede haber en según qué situaciones (de hecho, si esto fuese un manga, irían de perlas algunas notas de traducción). Pero no tener esos conocimientos también puede convertirse en otro tipo de ventaja, y es que todo se convierte en más sorprendente, a menudo desconcertante, y a veces puede hacer que te lleves las manos a la cabeza por no entender… ¡por qué coño actúan de esa manera! Pero al final, es posible que consigan emocionarte con pequeños detalles y comentarios que en nuestros realities pasarían totalmente desapercibidos o serían directamente sosos y “antitelevisivos” (y eso te puede llevar a pensar en la poca interferencia que tiene el programa en como actúan los protagonistas).
A nivel de comportamiento, las diferencias son más que evidentes. Si lo comparamos con Gran Hermano, cuando un concursante llega a la casa y se encuentra con otro, normalmente son bastante efusivos, hay mucha alegría y entusiasmo, se recorren la casa entera para ver como es, y saltan de alegría con cada pequeño detalle. En Terrace House tardan varias semanas en descubrir que en el segundo piso hay una habitación de estilo japonés, y lo de los abrazos tardóa meses en llegar (si es que llega). Se presentan de forma mucho más formal y educada, que así es como se hacen las cosas en Japón, y siguen comportándose así la mayor parte del tiempo (en Japón uno no puede perder las formas).
En un Gran Hermano, un pequeño conflicto puede desatar una serie de broncas, con gritos y mucha gesticulación. En Terrace House de vez en cuando la tensión se palpa, incluso caerá alguna lagrimilla, pero las peleas son mucho más dialécticas, con indirectas y sutilezas. La mayor parte de problemas se acaban resolviendo hablando tranquilamente, incluso aunque pareciese que las posturas eran irreconciliables. Esa forma de decir las cosas de los japoneses, que a menudo dan mil vueltas para decir algo procurando no ser demasiado directos ni tajantes, es lo que suele sorprender poner de los nervios a los occidentales, y lo cierto es que se puede hacer difícil decodificar según qué conversaciones, le puede llevar a uno varios años de experiencia dominarlo. De hecho, es algo que se le requiere a cualquier japonés, poder entender el contexto, o como dicen ellos: “leer el ambiente”. Saber decir las cosas con las palabras apropiadas, en el momento apropiado, es muy importante. Y alguno de los mayores conflictos los ha provocado algún participante que se ha mostrado demasiado directo y sincero, y ha sido criticado por su falta de empatía.
Para los japonófilos, es una muy buena oportunidad de ver un “slice of life” de verdad, y si encima os gusta la gastronomía japonesa, la serie es un no parar de gente cocinando, y cenas en restaurantes de todo tipo. Y lo mejor es verlo habiendo comido, o comiendo… ¡y si es comida japonesa mejor! De hecho, el hecho de cocinar juega a menudo un papel crucial en las relaciones de pareja que van surgiendo, y es algo se ve muy claro en Terrace House… igual de claro que el machismo que envuelve el tema, aunque más tarde llegará un cocinero que desterrará a las mujeres de los fogones. También seremos testigos de lo importante que es tener una idea clara de lo que quieres hacer con tu vida, el valor que se da al esfuerzo (“¡el ganbarismo!”)… y si no lo tienes claro, mejor disimula. Además, aunque el montaje no siempre ayuda, uno puede apreciar las horas que realmente pasan fuera de casa trabajando, llegando a horas intempestivas. Solo hay que estar un poco atento, y el programa puede convertirse en una interesante forma de aprender mucho más sobres los japoneses.
Terrace House es, además, un ejemplo del poder de persuasión que ha conseguido Netflix, de la confianza en su marca, y de la globalización de contenidos que puede comportar su penetración en todo el mundo. Ya hay series brasileñas, coreanas, japonesas, y dentro de poco una española con Netflix de productora, e incluso dicen que “Merlí”, una de las series de éxito de TV3, estará disponible en breve. Algunos japoneses pensaron en su momento que el manga y el anime podrían triunfar fuera de su país, y vaya si lo ha hecho, ¿por qué no un reality? En Internet encontraréis gente hablando de Terrace House en muchos idiomas distintos, y otra prueba del éxito definitivo es que ya se emite una nueva serie en Japón, y en unos pocos días se podrá ver en España (Terrace House: Aloha). Incluso se reúnen firmas para que Netflix ponga a disposición las anteriores 8 temporadas de Terrace House que solo se emitieron en Japón (con algunos de los comentaristas como participantes).
Ojo a los comentarios para otakus que aparecen… con mención incluso a la afición de Eiichiro Oda por el programa.
No os engañaré, si no fuese un show japonés muy probablemente no lo habría visto por voluntad propia (otra cosa es que me “obliguen” en casa a ver según qué programas…). Para mí tiene ese interés cultural particular, y si también eres un japonófilo seguramente te interesará. Pero como he dicho antes, no es necesario ser un experto en etiqueta japonés para engancharte al programa y disfrutarlo, y descubrir que los reality pueden ser algo muy distinto a lo que estamos acostumbrados.
Saludos, cosmonautas.
Estamos en una era, una época, un periodo, un momento, una etapa, un ciclo de publicar listas de cosas a mansalva (como esta que acabo de hacer de sinónimos). Las redes sociales son las principales responsables de esta proliferación sin tregua de TOP10s, TOP5s, TOP50s e incluso… ¡TOP100s! El clickbait funciona muy bien con este tipo de listas, y cuando llega el fin de año, la cosa ya se ha vuelto infumable. Tampoco os voy a engañar, siempre he defendido las listas como algo muy útil para tomar nota de ciertas recomendaciones, pero cuando hay 300.000 listas de lo mismo, al final uno se pierde entre tanta opinión. Además, con la cantidad de películas, series, cómics, libros, videojuegos que tenemos disponibles en estos tiempos (legal e ilegalmente), me parece muy temerario llamar a estas listas “lo mejor de”, especialmente si lo haces planteando realmente que consideras que eso es “lo mejor de este año porque yo lo valgo”… que vale, que poner “TOP10 de los cómics que más me han gustado” no vende tanto, pero un poco de humildad, por favor…
En fin, harto de tanta lista, he decidido hacer la mía propia de las cosas más irrelevantes que me han ocurrido a mí a lo largo de este año. Para cagarme en toda la pompa y trascendencia que emana de algunos de estos grandes TOPs que sacan tropocientas mil webs. Se trata de una lista totalmente inútil, estúpida, que a nadie le interesa lo más mínimo… lo que os decía, totalmente irrelevante. ¡Viva las listas de mierda!
1. He pasado más de 4 meses sin tinta en la impresora.
Comprar tinta da pereza. Además es cara, muy cara. Tan cara, que a veces sale más a cuenta tirar la impresora y comprar una nueva, y no estoy exagerando. Al menos voy a un sitio que te lo hacen reciclado y sale un poco más barato. Interesante, ¿verdad? No.
2. Mi peso se mantiene más o menos igual durante todo el año.
Ha habido momentos en que he bajado a 87, y otros en que casi llego a 91, pero más o menos me mantengo entre los 89.5 y 90 quilos. Dato totalmente irrelevante.
3. Han puesto una lavandería de autoservicio cerca de casa.
Y no podía importarme menos. Tengo lavadora en casa. Lo que no tengo es secadora, pero el sol es más barato. Aunque en invierno cuesta un poquito más que se sequen las cosas, porque el sol no da tanto en mi balcón por culpa de un edificio. En verano es todo lo contrario, nos asamos de calor por la tarde. También muy interesante.
4. La reunión de OT.
Lo cierto es que poner esto aquí es un poco tramposo, porque para media humanidad esto ha sido muy relevante. Pero es que yo no llegué a ver más que un par de programas (y ni siquiera enteros) del OT original. Así que una reunión y la puta “cobra” de las narices no podía ser más irrelevante para mí.
5. La bombilla de la luz de encima del espejo del baño se ha fundido.
Es especialmente irrelevante para el mundo, y a mí no me debe importar tanto porque hace más de un mes y todavía no la he cambiado.
6. He encontrado el tapón de un pendrive que hacía tiempo que había perdido.
Es un tapón mágico, cada X tiempo desaparece y puede tardar meses en aparecer. Pero el tapón del pendrive naranja sigue desaparecido, y este normalmente desaparece durante mucho más tiempo… ¿será para siempre? No os perdáis las actualizaciones respecto al tema que haré a cada minuto en Twitter sobre el paradero del tapón del pendrive naranja.
7. Las Billy de IKEA han cambiado respecto a hace algunos años, y no puedes reaprovechar algunas de las piezas.
Este quizá sea uno de los más relevantes en realidad, porque me toca un poco los huevos tener algunas baldas sin usar y no poder aprovecharlas. Pero a vosotros no os podía importar menos.
8. En breve me toca silenciar un grupo de Whatsapp que silencio durante todo el año.
Seguramente todos tenemos uno de esos grupos en los que creemos que debemos estar, pero apenas leemos e interactuamos menos todavía. Uno de estos lo tengo silenciado durante todo el año, y en breve tocará volver a hacerlo. ¡Apasionante!
9. Se está a punto de agotar mi bobina de 100 DVDr.
Hace ya muchos años, ni recuerdo cuantos, que compré de ofertón una de esas bobinas de DVDs para grabar. Apenas quedan un par, porque he estado grabando algunas cosillas para regalar a la familia. La de CDs que también compré sigue teniendo algo menos de la mitad. ¿Debería comprar otra bobina de DVD?
10. He hecho una lista de las cosas más irrelevantes del año.
Autoexplicativo.
Saludos, cosmonautas.
Quedan apenas 10 días para que empiece el XXII Saló del Manga de Barcelona, y con las entradas de sábado y domingo agotadas, la histeria se empieza a apoderar de los más rezagados. Pero tranquilos, que todavía os quedan para lunes y martes, y esos dos días también estarán repletos de cosas interesantes… y aparte de las cosas interesantes, a lo largo de esos días estaré dando (o participando) varias y variopintas charlas en distintos espacios del Saló. Así que preparad vuestras agendas saloneras, y haced algunos huecos.
Domingo 30 de octubre
13.00h (Sala de Actos 1). Mesa redonda “Dragon Ball Generacions”; una mesa redonda con David Hernando (Planeta), Nacho Fernández (Dragon Fall), Manu Guerrero (Selecta Visión), Oleguer Sarsanedas (jefe programación TV3 en los 90), Genís Puig (Misión Tokyo), y Álex Méndez y Dani Marchante (ambos de boladedragonz.com). Una charla sobre el pasado y el presente de Dragon Ball en Catalunya.
Lunes 31 de octubre
11.00h (Sala de Actos 2) Conferencia “Los orígenes del manga” a cargo de José Andrés Santiago Iglesias (autor de Manga: del cuadro flotante a la viñeta japonesa). Aunque no seré el conductor, ahí estaré como comisario de la exposición, para apoyar a José Andrés, todo un crack que seguro que nos contará cosas muy interesantes, y dará que pensar.
16.00h (Sala de Actos 2) Conferencia “Los Nobel del manga“. Ahora que se habla tanto de estos premios gracias a Bob Dylan, nosotros os proponemos una charla sobre algunos de las autores y obras más relevantes de la historia del manga. Nuestra intención es reivindicarlas como obras tan importantes y tan interesantes como puede ser cualquier obra literaria.
17.00h (Sala de Actos 1) Mesa redonda “We are X: la historia de X Japan“. Acompañados de Toni Torres y Eduard Terrades, haremos un repaso de la carrera de la banda de Rock más importante de la historia de Japón. Contaremos también con la presencia de uno de los organizadores del Beefeater In-Edit Festival de Barcelona, donde se proyectará el documental “We are X”, del que podremos ver un tráiler y además… ¡regalaremos 5 entradas para ver el documental!
19.15h (Taller de Japonismo) Nit Temàtica d’Espai Daruma: “Dai Kaiju, monstruos XXL“. Una introducción al fabuloso mundo de los monstruos gigantes japoneses. ¿Por qué aparecen películas como Godzilla? ¿Qué nos dicen de la sociedad japonesa? Todo esto y mucho más en una versión condensada (hora y media) de lo que son las Nits Temàtiques que solemos hacer en Espai Daruma.
Martes 1 de noviembre
10.00h (Auditori Palau de Congressos) Es pronto por la mañana, hará frío y será una sala enorme, así que necesitamos todo el calor humano posible, necesitamos que llenéis la sala para la presentación del libro “Songokumanía: el big bang del manga“, y la posterior proyección del documental. ¡Puntualidad máxima! Y luego firmaremos los libros que haga falta.
16.00h (Sala de Actos 2) “Literatura y manga“. Ya para ir plegando velas, la conferencia sobre la principal exposición del Saló de este año, que se dedica a la literatura. A partir de varios mangas aparecidos en la exposición, procuraremos introduciros en el también fabuloso e interesante mundo de la literatura japonesa. No solo aprenderéis más sobre los mangas que leéis, también haremos que os pique la curiosidad por ciertos escritores nipones.
Saludos, cosmonautas.
Si solo me hubiesen dejado ver una película de todas las del festival de Sitges de este año, tenía claro que sería Shin Gojira (Godzilla Resurgence), porque el hype que llevaba acumulado estaba “over 9000” (especialmente después de la decepción que supuso para mí la última versión norteamericana). Por suerte, no ha sido una mala elección.
En Japón se estrenó en julio, y las críticas fueron excelentes, todo un éxito. Y eso no hacía más que añadir leña al fuego del hype. Pero también llegaron, de parte de críticos occidentales, algunas advertencias. La nueva entrega japonesa de Gojira (después de 12 años desde la última) era muy, muy japonesa. Algo que, para los que estamos acostumbrados al cine japonés, no tenía porque ser un problema, pero quizás sí para la mayor parte de espectadores occidentales (especialmente para los que esperen ver algo parecido a lo que hizo Gareth Edwards). El principal miedo, de los propios productores japoneses, es la cantidad de subtítulos que tendría que leer el público festivalero, porque realmente en la peli se habla mucho, muchísimo. ¿Y es un problema? No para el que escribe estas líneas.
Probablemente, a los mandamases de la Toho, la productora japonesa de Gojira, tampoco les convenció la forma en la que Hollywood retrató al Rey de los Monstruos en su 60 aniversario. Aunque parte de la culpa probablemente es suya, por dejarlo en sus manos y en una fecha tan señalada. Pero la reacción no se hizo esperar. Dos años después, aparece este Shin Gojira, que se puede traducir como “el nuevo” o “el auténtico Gojira” (las sutilezas del idioma japonés), el segundo reboot japonés de la saga (la primera versión fue en 1954, y la primera resurrección en 1984). Para llevarlo a cabo han confiado en Hideaki Anno, un nombre conocido especialmente en el mundo del anime, por ser el director de Neon Genesis Evangelion. Desde sus tiempos de estudiante, Anno había demostrado siempre su pasión por el género del tokusatsu, con parodias de Ultraman o los Super Sentai, así que no parecía una mala elección para volver a despertar a Gojira. Y lo que ha hecho con este nuevo Gojira es condensar en dos horas algunos de los temas (y temores) principales de esta saga de más de 60 años de historia. Que en el fondo, no deja de ser un retrato de muchas de las preocupaciones de los japoneses, y de la cultura política que se ha ido forjando desde esas primeras bombas atómicas hasta el día de hoy, con catástrofes más recientes.
Algo ha aparecido en la bahía de Tokio, y se reúne un gabinete de crisis para estudiar el problema y decidir un plan de actuación. Por supuesto, son pocos los que sospechan o quieren creerse que detrás de todo se encuentra una criatura gigantesca, pero no tardarán demasiado en descubrirlo. El monstruo se revelará finalmente, y creará pánico y destrucción durante un par de horas. Los principales protagonistas de esta película son precisamente los políticos, y la trama se va desarrollando en decenas de despachos y pasillos de las instituciones japonesas, políticas o militares. Lo que iremos viendo a continuación serán reuniones y más reuniones, y decenas de personajes distintos (cada vez con los créditos que nos indican su nombre y cargo), que tendrán que decidir como actuar frente a semejante amenaza. Con este planteamiento, es lógico que la mayor parte del metraje sean tíos trajados (y algunas pocas mujeres) hablando sin parar. Pero si bien hay algunas breves escenas que pueden ser redudantes y podrían desaparecer sin problemas, lo cierto es que las conversaciones se siguen con interés y el ritmo es realmente endiablado (eso es lo que exige cierta velocidad lectora). Vamos, que no es cháchara porque sí, todo lo contrario. Como buenos japoneses, todas las palabras están muy medidas. Y probablemente sea todo mucho más realista que en cualquier película de catástrofes americanas, donde a la mínima tendrías al ejército lanzándose en tromba contra el monstruo, sin meditar ni un segundo. Aquí la burocracia es la que manda, que como dicen en la película, es la base de la democracia. Todo hay que discutirlo, hay que supervisar y aprobar cada nuevo movimiento, y aunque pueda parecer exagerado, es más real de lo que uno podría pensar. De hecho, puede llegar a ser irritante, y esto es algo que solo saben los que han trabajado alguna vez con japoneses. Y Hideaki Anno, nos lo muestra, y se ríe de ello. Porque a pesar de todo el politiqueo, a pesar de tanta corbata y largas mesas de reuniones, en Shin Gojira hay mucho humor, y mucha caricatura de la forma de funcionar de los japoneses (y sobretodo de esas largas cadenas de mando). ¿Pero entenderán los no japoneses esta sátira? No lo sabemos, pero seguro que más de uno estará pensando que porque no se ponen a tirarle bombas como locos a los cinco minutos… quizás sea norteamericano (que también reciben algunos palos en la peli, algo que no es nuevo en la serie, especialmente si nos vamos a la original).
Pero Shin Gojira va mucho más allá de la pura gestión de la crisis en si. Las películas de Gojira han servido a lo largo de varias décadas para exorcizar ciertos demonios, ya sea el temor nuclear o la cuestión bélica. Hideaki Anno, lo sabe bien, y a ningún japonés se le escapará que muchas de las conversaciones entre políticos y muchas de las escenificaciones, son claras referencias a catástrofes como la del terremoto, tsunami y accidente nuclear de Fukushima. Esos famosos monos de trabajo azules que se pone el Primer Ministro y su equipo en la gestión de las crisis estarán también presentes, así como unas muy familiares apariciones en los medios. Además, algunas de las escenas del rastro de Gojira podrían haberse rodado perfectamente en las ruinas del área afectada por el tsunami. El monstruo, además, es como ha sido siempre un símbolo del poder destructivo de lo nuclear, algo que en este caso tanto puede hacer referencia a la central de Fukushima, como a las bombas atómicas de Hiroshima y Nagasaki, que incluso aparecen en dos fotografías. Y todavía hay más temas, como es el de la complicada relación entre Japón y los Estados Unidos, y que siempre ha sido motivo de varias controversias a lo largo de varias décadas. La admiración por todo lo norteamericano que algunos profesan, ha chocado a menudo contra la opinión de aquellos que consideran que Japón debe seguir su propio camino sin interferencias, sin ser la comparsa o el “perrito faldero” de nadie. Lo que lleva a otro tema, que es el de la cuestión militar. Las Fuerzas de Autodefensa, el nombre ya es perfectamente explicativo, tienen ciertas limitaciones constitucionales en su forma de proceder (lo que dará pie a varios debates en las película), y desde hace años algunos abogan por suprimir el artículo de la constitución japonesa que les impide tener un ejército “normal”. ¿Es esta película un alegato a favor de dicha abolición como han sugerido algunos críticos? A mí, no me queda claro, y es que la ironía japonesa a veces puede ser muy fina. Pero si nos fijamos en la misión en la que se embarca el principal protagonista de la película, parece que la idea es que la ciencia y el esfuerzo conjunto pueden ser la solución a muchos problemas (una idea también muy japonesa).
Leyendo todo esto, quizás algunos se asustarán, ¿acaso no se ve el monstruo? ¿no hay muerte y destrucción? ¡Por supuesto que lo hay! De hecho, algunas de las escenas de Gojira en acción son, simplemente, preciosas; y fueron capaces de arrancar el aplauso del público del Retiro. Pero que nadie se confunda, con la excepción de algunas de las pelis más infumables de la saga, la mayor parte del metraje de las pelis de kaiju, en realidad no son escenas de destrucción… ¡precisamente son las más caras y las que más trabajo representan! Así que, si alguien se queja de que Gojira solo aparece destrozando Tokio en una tercera parte del metraje, es que quizás no sabe muy bien de lo que está hablando. Pero que nadie se preocupe, que verá edificios cayéndose o siendo pisoteados por el Rey de los Monstruos, y por supuesto, mucha gente corriendo despavorida.
Gojira es Japón, siempre lo ha sido, y lo sigue siendo en esta nueva encarnación. Hideaki Anno vuelve a demostrar que las películas de monstruos gigantes fueron y pueden ser mucho más que la destrucción gratuita de ciudades niponas. Nos hablan de un país, una sociedad, de sus temores y como se enfrentan a ellos. Y lo hacen a su manera, ni mejor ni peor, a la japonesa. Y seguramente sea una película con menos pretensiones internacionales que otras, pero si algunos se molestan en abrir los ojos, y prestan cierta atención, quizás sean capaces de descubrir una película tan grande como el monstruo protagonista.
Saludos, cosmonautas.
Esto ya está a la vuelta de la esquina. El jueves, el libro sale finalmente de imprenta, y este próximo domingo 9 de octubre, a las 16h, en la carpa FNAC del Festival de Cine de Sitges, haremos la presentación oficial, como se suele decir, en un marco incomparable. Hace justo año, en ese mismo sitio, estaba presentando “FantAsia” junto a varios amigos, ahí mismo hablé con el editor del libro de la posibilidad de convertir el documental en un libro, y en un tiempo récord se ha hecho realidad.
El sábado a las 16h, junto al editor JR Armadàs, presentaremos finalmente el libro “Songokumanía: el big bang del manga”, mi primer “proyecto literario en solitario”, por definirlo de alguna forma. Y aunque estoy orgullosísimo de todos los proyectos en los que he participado hasta ahora, sacar mi propio libro tiene un “nosequé” especial.
Portada definitiva del libro
Y para los que no hayan visto el documental, o quieran ver la versión extendida del mismo, que sepáis que poco después de la presentación, a las 18h, se podrá ver en el Brigadoon de Sitges, ¡y además de gratis! Si presentar un libro ahí es un subidón, imaginaros proyectar el documental como parte de la programación oficial, además en la sección en la que pasé más horas en mis primeros años de festival.
Y esto no acaba aquí, aunque todo esto puede variar, haremos la presentación del libro en el Saló del Manga de Barcelona, que se celebra en Fira de Barcelona entre el 29 de octubre y el 1 de noviembre. La presentación del libro y posterior proyección del documental tendrá lugar en en el auditorio (donde se harán todas las proyecciones), el martes 1 de noviembre a las 10h.
¡Repasemos la agenda!
9 de octubre – Festival Internacional de Cinema de Sitges
16.00h Presentación del libro en la Carpa FNAC (frente al Auditori Melià)
18.00h Proyección del documental en el Brigadoon.
1 de noviembre – Saló del Manga de Barcelona
10.00h Presentación del libro y proyección del documental en el Auditorio
(Los horarios del Saló podrían sufrir cambios todavía)
En la presentación de Sitges ya podréis adquirir la versión del libro en castellano, para los que quieran la versión en catalán, tendrán que esperar unas semanas más, pero estará lista para el Saló del Manga de Barcelona. Habrá también una versión con el DVD del documental, que esperemos que esté disponible muy pronto. Os iremos anunciando de las novedades, así como de los puntos de venta (físicos u online).
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